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Spazi vissuti e attraversati. Spazi idealizzati e filtrati. Spazi agiti. Luoghi pubblici e privati,
ma anche mentali, nei quali uno
sguardo vibrante
riflette su oggetti - o dettagli di essi - su
paesaggi urbani, superfici di edifici e strutture architettoniche.
Questo sguardo particolare è chiamato a farsi complice di quell’atto stesso di predisposizione
alla riflessione visiva sul senso del vivere e dell’abitare “il quotidiano”, inteso quest’ultimo
come sezione intermediaria (una
terra di mezzo
),
nella quale storie collettive e personali si
intrecciano in racconti ogni volta sensibilmente riscrivibili.
Ponendosi nella sua totalità come corpo polifonico aperto all’esperienza sensibile, questo
spazio - definito
space in-between us
-
è da intendersi come una sorta di “scarto
dello
e
nello
spazio”, una dimensione altra a cavallo (
in-between
)
tra un “noi” (
us
)
e ciò che delle opere
in mostra ne è riflesso ed eco esterno, nonché riverbero in continuo fluire. Manifestandosi
come una “cornice” di intervento comune - nella quale i grumi dei sillabari linguistici e visivi
che formano parte nucleo del lavoro creativo d’oggi vengono sottoposti a un tentativo,
forse fallimentare, ma non per questo meno necessario e urgente, che spinge verso una
rarefazione visiva - questa
nicchia
porta a un dispiegamento/dissipamento di forme plurali,
che al contempo trascinano con sé l’onda di un respiro individuale.
È forse proprio qui, in questo istante balenante di immaginari - nel quale è ancora più
evidente lo sfilacciamento delle barriere temporali e spaziali che connota la fluidità della
contemporaneità - che la sensibilità dei singoli artisti si lascia abbracciare da una comunità
di più voci (forse una deriva di quell’essere
singolare plurale
di cui scriveva Jean-Luc Nancy),
trasformando la singolarità in una formula e una struttura dialogica con l’altro, creando un
linguaggio che si fa azione, trasformazione e relazione con le
cose
della vita.
Meticolose stratificazioni a pastello su cartone e tocchi di pennello su tela, sempre puliti e
calibrati. Gesti scultorei - come l’azione del frammentare la carta - e precisi
close up
fotografici
su oggetti e strumenti, sono sintomatici del tentativo di decifrare, interpretare e bloccare
porzioni di realtà estrapolate da un contesto che da tangibile si fa idealizzato. Poi immagini
in movimento che sembrano farsi portavoce di quell’agire contestualizzato di pratiche
comunitarie e individuali che si riversano in un contesto urbano in perenne mutamento.
Qualunque sia la tecnica espressiva utilizzata dagli artisti in mostra, sembra esserci qualcosa
che accorcia sensibilmente le distanze che intercorrono tra loro. Qualcosa che è forse
rintracciabile in una comune predisposizione a farsi testimoni di una grammatica visiva
che lavora su slanci di immaginari e utopie, e dove l’intuito e la sperimentazione continua
fanno da trampolino verso una nuova riflessione estetica sul
pensare
e
fare
arte oggi. C’è
forse anche un’attitudine particolare a voler
andare oltre il senso del luogo
,
nella sua scala
dimensionale-ascensionale che va dalle superfici di oggetti domestici, alle barriere dei confini
geografici, passando per l’estensione di assi urbani - e le distese della sua periferia e dei suoi
terrain vague
-
inglobando al contempo edifici vecchi e nuovi, residui
in potenza
e forme in
itinere della molteplicità che ci circonda.
È così che nella serie fotografica
The Golden Edge
(2013/2014),
Marco Ceroni (Forlì, 1987)
percepisce una perdita di centralità - e la consequenziale presenza di una pluralità di centri
ubiqui - alla quale contrappone una critica del discorso cartografico. La sua ricerca parte da
the space in-between us
Giovanna Manzotti